“白中白”，第一个“白”是形式，指向具体可感的材料和去蔽的媒介，一种微妙的直观形式；第二个“白”是理念，一种抽象和纯粹的理念。“白中白”不仅仅是视觉的形式实验，更是一种真理性思考，挑战观者剥离现代生活的冗余表象。通过具体的白、物和空间，重新感知世界的本真秩序，带领我们重返存在的原初现场，这也是白中白系列展的初衷：一场以抽象、极简和观念为路径，不断回归本原的精神逆行。

“本来之物”，这里特别指从原本而来的艺术形式和观念。如果说万物当中有启示，科学以经验和逻辑去分析，艺术则以直观可感的方式去回应。世界的本来面目对我们而言是遮蔽的，艺术成为我们从现实表象通往真实本原世界的媒介，帮我们打开被遮蔽的事物，包括人、物、自然、社会、观念等。艺术试图用感性直观的语言剖开存在者，与存在相遇。

我们的日常已经被海量的信息洪流所裹挟，感觉在碎片化的刺激中逐渐钝化，艺术有必要重返它最原初的使命：剥离表象的迷雾，直抵存在的本真。自2020年开启的“白中白”系列展，历经五年的持续性实践，试图在形式的极简与观念的纯粹中，切开现代生活的冗余表皮，让被遮蔽的本真性重新呼吸。本次展览作为这一方向的延续，并非对过往的重复，而是继续走向存在的深处：通过“事物本原的抽象与不可见性”、“一而多的辩证”、“重返现代性”三重维度，构建一条重返存在本原的路径，邀请观者共同参与一场“为什么而艺术”的古老哲学叩问。

方振宁，⻩・⻩+橙・橙，艺术装置/布·⽊质，30×30×3cm (三件⼀组)，1994

一、 事物本原的抽象与不可见性

古希腊哲人赫拉克利特说“自然爱隐藏”，事物的终极或本原形态具有抽象性，甚至是不可见的。我们对事物的本原性探究不可避免会触碰到抽象，这不是对现实的逃离，而是对存在本质的趋近。而艺术的使命正是通过抽象的形式，为不可见者赋形，以期直接抵达感觉的深处。展览中的“不可见性”在此获得双重意义：既是物质本质的隐匿状态，也是艺术对超验维度的叩问。在这里，艺术成为现象学的实践——它不解释世界，而是让世界如其所是地显现。

谭平，感性的位置，布面丙烯，50×60cm，2008

二、 一而多的世界

从柏拉图的“理念论”到中世纪的唯名论之争，西方哲学始终在“一”与“多”的辩证中寻找世界的终极答案。通过“一而多”的思辩，在普遍性与特殊性裂隙中找到存在的诗意。这里的“一”不是对“多”的压制，而是容纳差异的母体；“多”并非混乱的代名词，而是“一”在不同时空坐标中的具体化彰显。中世纪的托马斯·阿奎那曾以“温和的唯实论”调和理性与信仰，而当代艺术家们则用视觉语言延续这场哲学对话。

展览对“一与多”的探讨，本质上也是对现代个体命运的隐喻。艺术家的创作表明，真理不在普遍性与特殊性的对立中，而是在两者辩证里生成。对本原和永恒的追求并不会牺牲艺术表达的丰富性，艺术家不是在创造新形式，而是让“一”中蕴含的“多”自然现形。

徐小国，星光纸本草图，水彩纸 水彩颜色，55×76cm，2020-2024

三、 重返现代性

此处的“现代性”摆脱了线性史观的时间纠缠，指向一种持续自我批判的认知范式，成为一种对个体存在本质的永恒追问。我们借用现代性在艺术中的某种共识和参照，通过莫里斯·梅洛-庞蒂的“身体感知”与格林伯格“媒介纯粹性”的现代性遗产，回应现代艺术的本质和本体意义。这样看来，与其说是现代，不如说是向原点的回归。现代艺术的核心观念之一是“回到事物本身”，考察事物的本质属性。如果说人文主义中的现代性，开始于对神圣世界的怀疑所导致的恐惧和不安，而今天我们依然处于这样的时代困境。在这个意义上的现代性既是对个体异化的控诉，也暗含着救赎的可能：当每一个“一”在整体和本原中重获独特性时，被现代性碾碎的灵光或将重生。

钟声，《界色观》（红），天然大漆，51×38．9×9.5cm，2025

“白中白”系列展如同一块精神的棱镜，将存在的本质分解为三个相互映照的维度：抽象的形式语言剖开表象之壳，“一”与“多”的辩证重构存在之网，而对现代性的回应则试图为艺术找到原点。参展艺术家们以个体化的实践为路径，共同指向同一个终极命题——如何通过艺术，让被遮蔽的本真重现？展览最终指向的不仅是艺术本体的回归，更是通过审美经验重建被现代性割裂的存在连续性。此刻，沉默的白色也成为最响亮的宣言：既是物质的终点，也是精神的起点。当表象的符号和躁动的视网膜被极简的白色观念消解时，观者的身体感知获得解放，在不可见的“白色”中，重建与世界原初关系的精神坐标。